ПРОЦЕСС
КОРОТКИЕ ПУТИ ВОВСЕ НЕ КОРОТКИДвигаясь дальше, поговорим об еще одном важном и неправильно воспринимаемом аспекте – о, так называемых, быстрых клавишах – а именно, инструментах по коррекции изображения, таких как Осветление (Dodge), Горение (Burn) и различные фильтры. Быстрым клавишам есть место в искусстве, но то, к чему они могут привести, может сильно разиться от того, к чему вы стремились.
Главной бедой инструментов Осветление (Dodge) и Горение (Burn) считается то, что вы действительно должны понимать, что вы делаете, если хотите использовать их и делать это успешно. Они не только осветляют и затемняют изображение, но и меняют цветовую информацию, повторяя паттерн, который, возможно, нежелателен для каждого вида световых пятен и теней. Также, они влияют на насыщенность цветов, что делает их действие слишком заметным. Учитывая тот факт, что эти инструменты не могут изменить способ своего воздействия, приемлемо это для вашей работы или нет – выбирать вам. Следовательно, раз уж вы не обязаны отказываться от этих двух инструментов в своей работе, то вы должны перестать полагаться на них до тех пор, пока не будете уверены, что используете их правильно.
Если рассмотреть фильтры, то здесь похожая история, за исключением того, что вы должны быть ЕЩЕ осторожнее с их использованием, потому что фильтры подразумевают еще меньший контроль со стороны пользователя, чем Осветление (Dodge) и Горение (Burn). Пусть они и кажутся очень художественными, их, все же, очень легко распознать, и вы нисколько не выиграете, если при первом же взгляде на вашу работе зритель сразу распознает «угольный фильтр» (Charcoal Filter). Если же вы все-таки используете их, делайте это только по абсолютной необходимости, старайтесь по-максимуму настраивать их вручную и убедитесь, что они действительно меняют тональность в лучшую сторону.
Короче говоря, прежде чем использовать быстрые клавиши, убедитесь, что знаете, куда они вас приведут!
РАБОТА ПО КРУПНОМУПока вы не начали всерьез заниматься миниатюрами или пиксель-артом (5), в ваших же интересах работать в больших форматах. Для печати хорошо подходит разрешение 300dpi (точек на дюйм), это значит, что каждый дюйм содержит в себе 300 точек – или пикселей. Если изображение будет с разрешением меньше этого числа, очень вероятно, что оно потеряет свою резкость, мало того, появятся видимые точки (пиксели). Даже если вы не планируете печатать то или иное изображение сейчас, вы никогда не знаете, изменится ли ваше мнение на этот счет в будущем. С этой целью было бы также неплохо придерживаться форматов, близких к стандартам форматов печати. Например, лист А4, очень популярный формат для печати, имеет параметры 8,5х11 дюймов, что равноценно 2550х3300 пикселям с разрешением 300 dpi (точек на дюйм). В зависимости от вашего аппаратного обеспечения, можно работать с еще большими форматами, чем этот, но А4 и так очень удобен.
Вы, наверное, заметили, что параметры 2550х3300 превышают разрешение большинства мониторов (не говоря уже о более «экзотичных» размерах >10000 пикселей в одном или даже обоих направлениях). Это нормально, и это должно стать причиной вашего близкого знакомства с Масштабированием (Zoom tool), в какой бы программе вы не работали. Не обязательно всегда работать при масштабе 100%. На самом же деле, намного проще делать эскизы и пробовать какие-то цвета при уменьшенном масштабе. Это дает возможность обзора изображения в целом, а когда вы перейдете к добавлению деталей, можно постепенно увеличивать масштаб и работать над отдельными зонами. Также, не забывайте время от времени просматривать свой рисунок в уменьшенном размере, чтобы проверять, правильно ли выстроено освещение и т.д.
Еще один плюс работы в больших форматах, это возможность применять детали, вместо того чтобы потеть над пикселями. С большим холстом можно использовать большие кисти, применяя по-максимуму их исходные паттерны (шаблоны) и способность смешивать цвета, не делая это слишком очевидно. И вам не придется использовать метод «pixel pushing», когда вы работаете с очень маленькими кистями (например, в 1 пиксель), пытаясь нарисовать какие-то детали. Хотя pixel pushing и не плохая вещь, но такие пикселированные изображения очень напрягают глаза.
И снова кротко о главном: работая в больших форматах, вы сможете печатать качественные изображения и с бОльшим успехом использовать графические кисти.
НЕ БОЙТЕСЬ ТЕКСТУРТекстуры необходимы для создания реалистичного вида того или иного объекта. Самое важное, что определяет природу большинства текстур, это их произвольность (хаотичность). Особенность традиционного искусства заключается в том, что текстуры здесь создаются сами по себе в процессе работы. Иногда они бывают не в том месте, иногда требуется немного времени, чтобы выделить их, но они всегда есть. А вот в цифровом искусстве нет готовых текстурированных поверхностей, на которых можно было бы рисовать, поэтому приходится искать другие пути.
На сегодняшний день художники совершают две больших ошибки – либо рисунок получается слишком размытым, слишком «цифровым», либо же, наоборот, изобилует готовыми повторяющимися текстурами. Даже в ситуациях, когда они очень нужны, изо всех сил старайтесь избегать их.
Очень размытый рисунок обычно является результатом использования слишком больших кистей с мягкими краями. Первым шагом к избавлению от размытости на ваших рисунках должно стать использование более мелких кистей для мелки деталей – или просто использование большого холста. В основном, чем меньше кисть, тем больше контроля над ней вы берете в свои руки – ну, хотя бы до того момента, как вы выходите за пределы одного-двух пикселей, что в большинстве случаев не очень практично и может стать причиной пикселизации изображения.
Еще один пункт, который вы должны соблюдать, чтобы избавиться от размытых изображений – изучить текстуры различных материалов в реальной жизни, обращайте внимание на то, как они отражают/преломляют свет и расположенные рядом цвета. К примеру, блестящие объекты, такие как метал или гладкие волосы, имеют резкие/яркие световые пятна и блики, тогда как более матовые поверхности, такие как хлопок или обои, будут иметь более мягкие световые пятна и тени. В общем, полностью избавиться от размытости невозможно, но очень важно сделать все возможное, чтобы она присутствовала не повсеместно.
Кстати говоря, иногда размытое затенение может сыграть вам на руку, если будет присутствовать определенный контраст с сильным ярким контурным рисунком, если вы будете варьировать толщину линий или затенять с помощью чернил, что помогает очерчивать/вырисовывать фигуры и материалы. Если вы возьметесь использовать этот метод, обязательно убедитесь, что ваш контурный рисунок проработан максимально тщательно, с любовью и вниманием.
Есть и другая сторона медали, когда многие пользователи цифровых медиа полагаются на текстуры, встроенные в различные инструменты или шаблоны. Здесь все как в рулетке – или пан или пропал. Разница лишь в том, насколько видна использованная текстура. Если, взглянув на ваш рисунок, человек сразу может распознать, где какой инструмент использовался и какой шаблон применялся, значит пришло время изменить свой подход к этому делу (если, конечно, изначально не было задумано, чтобы были видны следы инструментов).
Что вы можете с этим сделать? Используйте такие инструменты, которые можно перекрыть, разбавить или исказить с помощью текстур, так вы добьетесь более реалистичных текстур, а не просто шаблонов. Также, не бойтесь работать с текстурами в «ручном» режиме, если это нужно – если шаблон слишком заметен на изображении, всегда можно подкорректировать его, убрав ластиком лишнее, или, наоборот, подрисовав что-то, и т.д.
Также, помните, что текстура обхватывает объект. Поэтому, когда собираетесь заливать платье шаблоном из горошка, не забудьте подкорректировать его на концах и складках, чтобы он шел по направлению материала.
Подводя итоги, нельзя не сказать, что текстуры очень важны для повышения качества вашей работы. И все же, главное - избегать подводных камней цифрового медиа, типа чрезмерной размытости или текстурированности, изучайте их природу в реальной жизни и используйте с умом.
СВЕТ ИМЕЕТ ЦВЕТДанная тема очень близка к идее осторожного использования Осветления (Dodge tool), Горения (Burn tool) и подобных инструментов, но есть и кое-что, о чем стоит поговорить отдельно. Любой свет в природе имеет определенный цвет, так же как и тени. Существует также и естественный свет, который тоже имеет окраску. Все это очень важно при работе в цифре (так же как и в других сферах).
Если говорить коротко, то вы должны избегать использования черного и белого цветов для своих теней и световых пятен/бликов в цветных рисунках, потому что в подобном случае ваши тени и блики будут выглядеть грязными и плоскими. Лучше использовать светлые, близкие к белому цвета (чисто серый в данном случае не цвет) для передачи «белого», и близкие к черному – для изображения «черных» деталей, а также используйте цвета с низкой насыщенностью (чуть выше 0) для передачи серого.
Также, заметьте, что все это легко проглядывается в природе. Если вы возьмете два белых листа из двух разных пачек, очень велика вероятность, что ни один из них не будет близок по цвету к белому, то же самое можно сказать и про черное.
Еще один важный момент – фотографии иногда врут касательно белых, черных и серых оттенков, поэтому будьте внимательны при использовании фото-образцов для своих работ, особенно при подборе палитры с фотографий. Пленка не так чувствительна, как человеческий глаз, поэтому бывает, что выдержка недодержана или, наоборот, передержана, такое часто наблюдается с непрофессиональными фотографиями. Это еще одна причина, почему рисовать с натуры лучше, чем с фото.
Исключения здесь тоже есть. Например, если вы намеренно делаете фон черным/белым/серым, когда изображение готовится для размещения на плакате или для печати там, где выдвигают такие требования.
Вывод: белый никогда не бывает чисто белым, черный не бывает черным, также как серый не бывает чисто серым, а свет имеет свой цвет. И, если вы возьмете все это во внимание, вы сможете передавать на своих рисунках больше глубины, чем когда бы то ни было.
